Sobre un dibuix de Rilke G.R. per Enric Casasses

Hi ha una morena de perfil asseguda en un senzill cub negre i una mica tirada endavant està acabant de descordar-li el cinturó a un jove de cabells llargs mal afaitat que està dret i de cara i se la mira amb els ulls baixos és clar perquè la té més avall a ella al fons darrere a terra arrepenjat a la paret un quadro abstracte una planimetria és una foto el quadro no el quadro és un quadro tota l’escena de la morena que li descorda el cinturó al pelut és una foto i clac la introdueixo en el programa la transformo en pures línies negres sobre fons blanc a cadascun dels dos personatges li coŀloco sis sis o set ombres o nivells del vibrar de la llum sis o set aures ho situo tot en un llarguíssim interior exterior de grandioses arquitectures ingràvides engegant-li un punt de fuga a l’infinit posant-hi alguna escena desolada en una cambra lateral omplint-ho de presències siluetes humanes i monstres estranys i fins éssers d’altres mons mestissos ho animo i recorro tot d’un llampegueig de diagonals dinàmiques ho faig girar en espiral dextrògira ascendent i insuflo vida al conjunt.

 

Sobre un dibujo de Rilke G.R.

Enric Casasses

Está una morena de perfil sentada en un sencillo cubo negro y un poco tirada hacia adelante está acabando de desabrocharle el cinturón a un joven de cabellos largos mal afeitado que está de pie y de frente y la mira con los ojos bajos claramente porque a ella la tiene más abajo al fondo detrás en el suelo apoyado en la pared un cuadro abstracto una planimetría es una foto el cuadro no el cuadro es un cuadro toda la escena de la morena que le desabrocha el cinturón al peludo es una foto y clac la introduzco en el programa la transformo en puras líneas negras sobre fondo blanco a cada uno de ambos personajes le coloco seis seis o siete sombras o niveles del vibrar de la luz seis o siete auras sitúo todo en un larguísimo interior exterior de grandiosas arquitecturas ingrávidas encendiéndole un punto de fuga a lo infinito poniéndole alguna escena desolada en una habitación lateral llenándolo de presencias siluetas humanas y monstruos extraños y hasta seres de otros mundos mestizos lo animo y recorro de golpe con un relampagueo de diagonales dinámicas lo hago girar en espiral dextrógira ascendente e insuflo vida al conjunto.

Ordalía Proyecto Audiovisual

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Ordalía

“Se dice que una de las características del mundo moderno es la desaparición de ritos significativos de iniciación. Las iniciaciones significativas, de capital importancia en las sociedades tradicionales, son prácticamente inexistentes en el mundo moderno occidental. La originalidad del hombre contemporáneo, yace en su voluntad de considerarse un ser puramente histórico, en su deseo de vivir en un cosmos bastante desacralizado.

Para el pensamiento tradicional, el mito es la crónica de todo lo significativo acaecido desde la creación del mundo. La naturaleza no es meramente natural; es también supranatural, es decir, manifestación de fuerzas sagradas y símbolo de realidades trascendentes. Ahora bien, para acceder a los saberes mitológicos es necesaria la muerte iniciática. Sólo entonces, una vez introducidos a la historia sagrada del mundo y la humanidad, el novicio puede renacer a una dimensión mas elevada del ser”.  Mircea Eliade

Ordalía es un proyecto audiovisual que surge de la necesidad personal por despojarme de los prejuicios, miedos y culpas de la sociedad actual; de crear un espacio donde se pueda dar un resurgimiento espiritual basándome en ritos ancestrales ya olvidados, que han sido substituidos por conductas inducidas por los medios masivos de comunicación y los grandes intereses económicos.

En este mundo individualista y egocéntrico, bombardeado a cada parpadeo por imágenes publicitarias que despiadadamente injertan necesidades falsas en el alma de cada uno de sus objetivos, nuestro ser se encuentra atrapado en un camino de constantes distracciones disfrazadas de oportunidades de conseguir o comprar la felicidad.Este ritual se efectúa por lo tanto como una llave de paso hacia otro tipo de conductas, se trata pues de un ritual de renacimiento.

A diferencia de los ritos ancestrales originales en los que me baso, que se realizaban como símbolo de el paso del niño hacia el mundo de los adultos, en éste se parte de la persona ya aceptada como adulto, hacia un ser nuevo que desecha los convencionalismos y moral de la sociedad y entra a un estado mas elevado en el cual es capaz de sentirse libre y en contacto con sus verdaderos pensamientos; La verdad negada.

El rito se divide en tres partes:

a) Borrado: Muerte simbólica que sirve para purificar de las impurezas y parásitos que anidan en el cuerpo y el alma del novicio; también es al mismo tiempo un baño purificador, la creación de una nueva tela.

Esta parte del proceso se va representar con la paulatina aparición de pintura blanca que va cubriendo el cuerpo desnudo de cada uno de los personajes desde los pies hasta la cabeza (en la parte de los ojos se verá aparecer una banda negra que significa que el ser o la identidad no es lo que se pierde en el borrado.) Cuando la pintura acaba de cubrir todo, el novicio cierra los ojos y deja caer suavemente su cabeza hacia el pecho hasta la inmovilidad.

b) Nueva sangre: El primer alimento de la nueva alma llega a través del mismo canal por el cual nos llegaron los fluidos vitales que nos mantenían unidos con nuestras madres cuando apenas éramos la  gestación de un nuevo ser.

Esta parte del proceso se va representar con una espiral de pintura roja que va a ir saliendo del ombligo hacia todas partes del cuerpo, llenándolo de rojo pero conservando la banda negra en los ojos. Cuando se llegue a este punto, el personaje abrirá los ojos y  gesticulará haciendo toda clase de demostraciones emotivas.

c) Nacimiento o nueva piel: El novicio recibe la nueva vida con un chorro de agua que impacta en su cuerpo y  lo va poco a poco ayudando a despojarse de la capa de pintura que se desprende de su cuerpo como si fuera la piel vieja de un reptil.

Finalmente, la piel nueva aparece y el personaje se muestra desnudo y nuevo frente a la cámara con la expresión limpia de un recién nacido. Final.

Nota: La palabra ordalía  o juicio de Dios se usaba en la edad media para determinar la culpabilidad de un acusado de algún delito de carácter religioso o inmoral  , para exculparlo de su acusación era necesario someterlo a alguna prueba de resistencia física, que en su mayoría estaban relacionadas con el fuego, tales como sujetar hierros candentes o introducir las manos en una hoguera. En ocasiones también se obligaba a los acusados a permanecer largo tiempo bajo el agua. Si alguien sobrevivía o no resultaba demasiado dañado, se entendía que Dios lo consideraba inocente y no debía recibir castigo alguno.

Yo por mi parte uso este término en una acepción mas centrada en el concepto de prueba de pureza ante dios, tomando la idea ritual de realizar de esta manera una comunión con el dios interno de cada uno.

Rilke Guillén Roca o la pintura como la mano que pare a Dios

Rilke Guillén Roca o la pintura

como la mano que pare a Dios
Andreu Subirats

En una realidad simultánea y dispersa que el color y el trazo recogen a flor de mar, a flor de tierra, a flor de sueño, a flor de cosmos como al paso de la vida la flor de la mujer da a luz el sueño en el espacio de lo que muere y de lo que permanece, la obra plástica de Rilke Guillén Roca es fruto de mar y de mujer, de tierra y mar y sueño cósmico y se desdobla en realidades simultáneas y dispersas que desembocan en una realidad que nos contiene y nos desecha incensante y nos detiene en el instante original de la creación que es lo creado creándose y recreándose en una realidad simultánea y dispersa en el espacio trágico, amoroso y dramático que la pintura hace suyo como un mundo en el mundo y en los mundos de lo que es y se expresa y es solitario y simultáneo y disperso como la realidad total y moridora. De todo esto entregan cuenta su dibujo y su pintura, donde la figuración y la abstracción y el mito y la realidad brazos se dan la mano, en alegoría de vida vivida y vida imaginada simultánea y dispersa como la mano que pare a Dios y a las diosas creadas.

En la obra de este joven artista mexicanocatalán, espiritual y vitalmente crecido y escindido entre dos modos de ser, de pensar y de sentir que le han dejado huella de dos paisajes humanos y de mundo que son dos y son uno, una densa capa lúdica de angustia existencial siempre indagatoria y siempre insatisfecha por su vocación de búsqueda en trascendencia del absurdo propio y del absurdo absoluto, se impone sobre fondos estelares o abisales o terrestres u oníricos y se despliega en una poderosa dimensión erótica que es al mismo tiempo respuesta de origen a la vida, fuente del amor y del acto creador y grito ronco de viva permanencia jubiloso frente a la muerte.

Rilke Guillen Roca o la pintura
Com la mà que es trau a déu del ventre
Andreu Subirats

En una realitat simultània i dispersa que el color i el traç recullen a flor de mar, a flor de terra, a flor de somni i a flor d’univers com la vida passa mentre la dona pareix el somni en l’espai d’allò que fineix i d’allò que roman, l’obra plàstica de Rilke Guillen Roca és fruit de mar i de fembra, de terra i de mar, de somni còsmic, i és obra que es desdobla en realitats simultànies i disperses que s’aboquen en una realitat que ens conté i ens rebutja incessant i ens atura davant l’instant original de la creació, que és allò creat creant-se i recreant-se en una realitat simultània i dispersa en l’espai tràgic, amorós i dramàtic que la pintura s’apropia talment un món dins el món de tot allò que és i s’expressa i és ensems solitari i simultani i dispers com ho és la realitat total i moridora. Tot això hi és present en el seu dibuix i en la seva pintura, on la figuració, l’abstracció, el mite i la realitat s’abracen en una al•legoria de vida viscuda i vida imaginària, simultània i dispersa, com la mà que partereja Déu i les deeses creades.

En l’obra d’aquest jove artista mexicocatalà, espiritual i vitalment format entre dos maneres de ser, de pensar i de sentir que en ell han petjat dos paisatges humans i d’entorn, dos paisatges que són dos i són u, entreveiem una densa capa lúdica d’angoixa existencial sempre indagant i sempre insatisfeta a causa de la seva vocació de recerca transcendent del propi absurd i de l’absurd absolut que s’imposa sobre fons estel•lars o abismals o terrestres o onírics i s’estén en una poderosa dimensió eròtica que és alhora resposta d’origen a la vida, deu d’amor i de l’acte creador i crit rauc de permanència vivaç i joiosa davant la mort.

Hybridos & Mutantes

Hybridos & Mutantes es un proyecto pictórico en proceso de realización que constará de una serie de aproximadamente 20 cuadros de pequeño, medio y gran formato, combinando varias técnicas plásticas.

La serie aborda un importante dilema humano de nuestro tiempo: ¿El modelo económico capitalista nos llevará a la catástrofe natural o la evolución tecnológica será capaz de detenerla a tiempo? Estamos destruyendo velozmente un medio ambiente que hasta ahora nos ha sido apto. Con esta serie trato de dar cuerpo a una reflexión sobre modelos habitables del mundo que nos espera y propongo en consecuencia una serie plástica de seres regidos  por el orden natural del ecosistema del futuro.

Poco a poco los términos de la vida en este planeta están cambiando, y en un futuro no tan lejano no podremos sobrevivir aquí. Este cambio, sin embargo, no implica que el resultado sea la desaparición de la vida. Ella encuentra respuestas y soluciones asombrosas donde nosotros sólo vemos destrucción. La vida demanda transformación, demanda recursos para ser consumidos, y la idea de lo estéticamente correcto para nuestra cultura no rige sus designios. No hay que olvidar que el planeta es un gran sistema que se autorregula. Por lo tanto, si la vida se ha de adaptar a un medio ambiente enrarecido y contaminado por nuestra presencia parásita en este mundo, el resultado será necesariamente el resultado de la fusión de modelos y estructuras orgánicas que puedan seguir funcionando en ese ambiente hostil; es decir: Hybridos & Mutantes.

 

Serie Ave

El patíbulo de lo aparente

S. K. Brown

La bandada sin cabeza de lo vivo en la noche de los muertos.

Bajo el espesor de capas de lo aparente, la forma simple de la cerradura por cuello abre el enigma doble de signos de interrogación que se cierran frente al espejo: el del sueño en la cabeza decapitada, y el de la llave única que puede abrirla a su concreción de ser. Y la búsqueda de esta llave posible. Pero la cerradura cuello puede verse también como aquella para la cual no hay llave en el juego de la fatalidad que convierte toda comedia en trágica.

En la serie de los seres sin cabeza que en sucesión de historieta surgen ahora de la cabeza, la mirada y la frente del pintor mexicanocatalán Rilke Guillén Roca como quien puebla la noche cómica de lo aparente con acentos trágicos del fluir de lo real cotidiano enemigo, es válido ver la cerradura para la cual no hay llave como metáfora del lugar que ocuparía la cabeza en libertad frente al alto vacío de una existencia asediada por las bombillas materiales de la guerra, la bursatrapía, el consumismo en alza manifiesta y aleve, y las salidas egométricas por su supuesta individualidad masificadas del «éxito» egológico selectivo, aplastador conciente de la cabeza del vecino -cuya condición de prójimo se ha perdido, si es que alguna vez existió, bajo la noche de los tiempos del capitalismo salvaje que arrolla y si se deja arrastra a la joven generación a la que pertenece este artista; una generación que hoy echa a andar por el desconcertante y desconcertado, trágico y cómico concierto del gran teatro del mundo occidental: suculento caldo de mentira y dominación que se revuelve en estos momentos en catarsis crítica de permanencia a toda costa del privilegio del poder de lo privado, dando coletazos sobre las barcas de cualquier interés público o de beneficio colectivo de la phynanza de esta clase, y vende la rapiña desde la avara usura enferma como salvación global de un «sistema de libertades» en realidad sólo existente para uso, abuso y disfrute de unos cuantos: los dueños del dinero, y los cabecillas de las estructuras de orden y guerra de su servicio de mantenimiento.

El arte propiamente no es discurso. Mas debajo de lo abstracto es sustrato de realidad lo que hay, y aquello que está, igual si tiende a fomentarlo que a obstaculizarlo, es fuente de la presencia espiritual. Un artista es, ya Rabelais lo ostenta a orgullo, Extractor de Quintaesencia. Y de esto no se diga más.

Desde el cuello y su vacío anhelante, la perspectiva es cabeza degollada que mira antes de ser echada a rodar. Una mirada en picada, que desciende, tal la del águila de la hazaña mortal de los vencidos en la figura histórica de Cuauhtémoc. Gloria del vacío, y victoria aparente de lo aparente: el tajo que separa la cabeza también desciende, bajo impulso verdugo del brazo que lo blande. La hazaña del brazo es de cobro y paga; la mirada en descenso halla ser en el vacío: formas elementales de recuerdos de un recuerdo abruptamente trunco sobre un espacio de separación cuyas partes son recíprocas y complementarias, como el oro en la tierra de nadie del sueño gambusino.

La bandada sin cabeza de lo vivo en la noche de los muertos puebla el vacío aparente de un espacio de separación, de una saturación sin suturas como entre sentimiento y pensamiento un abismo por averiguar, como entre abismo y aventura la separación abyecta entre nacer y morir: la oquedad de vida ocupada y ocupable. La mirada se sabe AVE en la cabeza que volará bajo la contingencia de la cosa mercante: el asedio sustitutorio del mercado de pensar, sentir, sexar, comer, dormir, reproducirse y consumir… Pero es Tiempo aquello que sucede entre el espacio vacío existencial de la aparente separación cabeza-tronco y el sordo fluir abstracto de lo diario: un espacio de búsqueda, de la certidumbre al desconcierto y de la incertidumbre a la perplejidad.

Dios que todo lo mira con indiferencia absoluta en estos cuadros, se mira a sí mismo en su condición mortal. El templo es un callejón sin salida de Dios. Dios, cuyo nacimiento es respuesta humana al Misterio de todo lo que existe, es ahora más que nunca El Mercader Del Templo, la coartada de permanencia eterna de los mercaderes y el Mercado. Dios es mortal y a sí mismo mortal se mira porque es idea humana y transcurre como todo lo humano en todo y nada en el tiempo mortal. Dios, el Otro, no está a la mano humana, y si Es, Será.

Las líneas del «pop art» parten de una subversión de los sentidos primigenios de las figuras de comercio: la subversión de la imagen sucesiva e incesante de una misma cosa-mercancía apabullando todo espacio sensible e intelectual con un “mensaje que es el medio” destinado al fin totalitario de ocupar los lugares del sentimiento, del arte y la razón para establecer en ellos los valores del poder del dinero, la sensiblería y la banalidad, en un intento de vaciar por mayorías vacuas los contenidos esenciales de la condición humana con propósitos globales de dominio.

Este uso del signo, del ciclo vital y del «tipo» de la cosa-mercancía sobre el individuo como entraña consumista y de consumo, umbilicado en masa del yo vaciado de sentido, es el de la cosa-mercancía a subvertir desde la propia naturaleza de su intento, captándolo en tanto forma plástica dirigida a lo sensible inconciente para revertirlo al todo que era en lo sensible conciente. Dentro de este «tipo» destaca su unidad en la diversidad el logo-tipo, el logos muerto que con sólo expresarlo en la realidad plasmacional del arte cobra un sentido de grito en el hueco de la cabeza caída desde el tronco y los muñones de la separación, que en este caso opera el pintor en un universo nuevo de trazo y dibujo austeros (tan distinto y distante de sus etapas anteriores) y de concepto sencillo y transparente con el uso serial de los logos-tipo de Dios que todo lo mira y del AVE cuyo vuelo es búsqueda.

El carácter serial de estos decapitados proviene de la belleza episódica y circunstancial del cómic tanto como de todo esto y cubre su incidencia en lo múltiple con sugerencias de paso presente, fecundando otros nacimientos posibles, desde el ojo de una generación totalmente formada y aparentemente avasallada por esta forma de conquista subliminal y dominación sustitutoria. Desde el ojo de esta generación y como quiere el grafitti móvil que acomete el artista simultáneamente por los verdes abstractos y los ocres puros que del paisaje y del atardecer de Ibiza lleva a sus cuadros, «la belleza es tu cabeza», logofrase a-típica de los seres sin cabeza aparente, símbolo de vida, no de la indecente piedra filosofal de los inverecundos optimistas.

La mirada en el vacío y en el todo y el grito dentro de la oreja vangoghiana, Rilke Guillén Roca despliega sus seres sin cabeza y el poder cromático de lo abstracto en lo figurativo por las rugosidades de conjunto de la mascarada existencial de las conciencias muertas de esta época nuestra que cultiva muertos para que entierren a sus muertos. La bandada sin cabeza de lo vivo en la noche de los muertos puebla el vacío aparente de un espacio de separación, de una saturación sin suturas como entre sentimiento y pensamiento un abismo por averiguar, como entre abismo y aventura la separación abyecta entre nacer y morir: mi cabeza rodará bajo el patíbulo de lo aparente.